文/游原一
圖釘似乎已成為陳浚豪的代號，以圖釘作為創作的媒材；透過不斷重複、安置，來追求材質的可能......
端目低眉又驚艷，起身綜覽冷冽現，將一種幻象投射，轉化為觀者視覺印象的純粹想像，使得作品形象若有似無，若隱若顯，產生令人瞠目結舌的視覺效果，這就是陳浚豪的藝術語言。陳浚豪藉由安排觀者的角度、排列圖釘的方式，如從水平、垂直、圓心、由疏而密、由內而外、從邊際到中央…等手法，以及光學媒介的設計，且用一種不斷重複、機械性的動作來安置大量圖釘，使得圖釘呈現一種量化的視覺面貌，幻化出光影交疊的銀光氛圍場域。隨著他自身的意念堆積與交錯，圖釘在一種理性架構中，有組織性與系統化地呈現他所預設的視覺語言與思考模式。他的圖釘系列作品，多半有優雅、寧靜以及充滿詩意的氣氛，卻伴有不可忽視的危險性，在華麗的視覺效果之下，同時兼具難以言語的矛盾感，觀者一方面想貼近圖釘來確認這是否為日常生活中所使用的圖釘，另一方面又必須與作品形成一種絕對的距離，才得以窺得作品全貌。由於圖釘包括針刺與針背兩部分，因放置的角度差異而產生反光與不反光的相對效果，因此危險性、對立性及方向性成為圖釘基礎的元素屬性，則導致觀者的視覺經驗，作用於作品所呈現的視覺效果時，便與這種基礎的物質屬性發生衝突，造成感官經驗的抵觸感。
圖釘系列作品，其特殊在於觀者處在一種直觀的結構中，隨著觀望的位置、角度的改變，而重新發現每一個圖釘的側面所整合出的意義，得以找到一種觀看的愉悅，其作品圖像可分成植物系列＜花非花＞、宗教系列＜義蓋雲天＞以及幾何系列＜迷宮＞等主題，但作品圖像並非他創作的意圖之處，而是探索材質的極限才是他所關注的。陳浚豪早年將藝術創作過程視為一種心理治療與自身對話的行為，但隨著時間的累積、藝術環境的改變，已逐漸調整自身對於早年的看法，從觀照個人內心精神層面，轉向於關心台灣公共藝術、藝術村的發展，如何對台灣藝術生態有所貢獻，已成為他近年思考的課題。
陳浚豪長期關注於材質的極致、張力的命題，藉由一種類似遊戲的心態來玩材質的可能性，究竟材質的極限何在？這是一個無法斷言的問題，而筆者梳理陳浚豪作品脈絡的過程，可見其近期作品也逐步調整自身對於材質的看法，如著手以塑膠材質為創作表現，而透過整理其相關文本，也窺得他與台灣其他材質藝術家的關係，對於這類的藝術家，筆者認為在試驗材質極限的精神與貢獻上，是必須給予他們支持與肯定，但材質藝術家若僅以「材質」本身為創作，這是否存有某種侷限性？藝術家在追求材質發展的過程，是否能兼顧藝術家個人的見解思維，而非僅專注於材質本身，換句話說，藝術家是否能在探索材質純粹性的同時，也能展現藝術家獨特的觀察角度，而使得作品成為藝術家思維的記錄，而作品也有足夠的藝術語彙來承載和展現藝術家個人獨特見解，呈現「材質」本身以外的看法。
就此，來反觀陳浚豪圖釘系列，他除了呈現事先設定好的圖像之外，似乎也希望透過這一系列作品帶給觀者另一種思考的空間-材質的極限性，但由於作品的視覺效果是如此強烈，以至於觀者不得不關注於圖像所呈現的涵義，但圖像卻又不是他表達的重點，使得觀者忽略甚至不知道，他在追求一種材質（圖釘）可能的極限性，造成觀者與藝術家認知上的落差，實為可惜之處，對於陳浚豪或是同類型藝術家而言，如何保有材質本身的視覺美感，並兼顧藝術家個人觀點，使得作品能更有效地去記錄藝術家的創作思維，突顯藝術家內心自然湧現的熱情，讓作品成為觀者與藝術家相互交流的中繼站，最終得以讓初見作品之人為之感動。
